Cream, Frank Zappa, Beth Hart – 27-08-26
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Neil Young “Journey through the past” – Janis Joplin “Get it while you can» – The Rolling Stones “Honky tonk women” – Steppenwolf “Hoochie coochie man” – Bob Dylan “Subterranean homesick blues” – Grateful Dead “Truckin’” – The Band “Rag mama rag” – Steve Miller Band “Serenade” – Beth Hart “Run” – Johnny Winter “Stranger” – Cream “I feel free” – The Doors “Roadhouse blues” – Frank Zappa “Son of Mr. Green Genes”
Para 1972, el repertorio de grandes canciones de todos los tiempos de Neil Young abarcaba varios álbumes. De hecho, así es, dada la perfección de Harvest. El injustamente olvidado Journey Through the Past, una banda sonora recopilatoria utilizada para la película debut de Young del mismo nombre. Estas versiones alternativas ofrecen grabaciones en vivo, conversaciones que de otro modo se eliminarían de las versiones estándar. Algunas piezas escuchadas en Journey Through the Past mejoran gracias a esos pequeños detalles. Esas reducciones de calidad de vida, como la estática de la cinta y la reducción de calidad, que se siente como desenterrar un casete y destrozarlo para que sea reproducible. Basta con escuchar el golpe y el bajo de «Rock and Roll Woman» para un ejemplo de esta divergencia. Voces aisladas, cambios de cinta, y lo que se escucha en Journey Through the Past es lo que su título sugiere.
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Pearl, nunca tuvo la oportunidad de ser simplemente un álbum. Eso quedó claro cuando Janis Joplin fue encontrada muerta en su habitación de hotel por una sobredosis accidental de heroína durante las sesiones que darían lugar a su segundo y último disco en solitario. En ese momento, Pearl, que salió poco más de tres meses después, no podía ser simplemente la última muestra de la brillante cantante de blues. Se convirtió en parte del mito de Janis Joplin, una idea que no ha hecho más que volverse más audaz y compleja con el paso de las décadas.
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“Honkey Tonk Women” es la versión eléctrica de blues-rock de “Country Honk” , escrita por las Glimmer Twins durante su viaje a Brasil en diciembre de 1968 para recargar energías después de meses de intenso trabajo. Salvo algunas pequeñas diferencias, la letra de «Honky Tonk Women» es la misma que la de «Country Honk». Sin embargo, la letra importa menos que la música, que, unos meses después de Jumpin’ Jack Flash, confirmó el regreso de los Stones al terreno sagrado del rock ‘n’ roll. “Honkey Tonk Women” (con “You Can’t Always Get What You Want” como cara B) se publicó en el Reino Unido el 4 de julio de 1969, el día antes del concierto de los Stones en Hyde Park en memoria de Brian Jones.
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Formado en Toronto y con la incorporación de dos músicos de Los Ángeles, Steppenwolf irrumpió en la escena musical justo cuando el hard rock alcanzaba su apogeo. Con una apariencia que recordaba a una banda de motociclistas, Steppenwolf parecía sacado de un casting para representar a un grupo de rockeros duros y vestidos de cuero. Pero Steppenwolf era un grupo real, que tomó su nombre de una novela de Herman Hesse de 1927 y estaba liderado por el vocalista y guitarrista John Kay.
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Junto con Highway 61 Revisited de Dylan, este álbum sería una buena banda sonora sobre el auge de la contracultura de los años 60. La guitarra acústica de Bob Dylan abre «Subterranean Homesick Blues» en Bringing It All Back Home. Pero en cuanto entran la guitarra eléctrica de Bruce Langhorne y la batería de Bobby Gregg, Dylan deja claro que está grabando un disco de rock and roll. La reedición del álbum por «Mobile Fidelity», grabada a 45 RPM y prensada en dos LP, permite escuchar las tres guitarras que acompañan a Dylan con mayor claridad que la versión original de Columbia Records y resalta el sonido de otros instrumentos.
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American Beauty se lanzó apenas cinco meses después de Workingman’s Dead, en gran parte gracias a una racha de gran creatividad compositiva. Por supuesto, Robert Hunter y Jerry Garcia fueron los protagonistas, pero Hunter también colaboró con Phil Lesh y Bob Weir en dos canciones igualmente magníficas, y tanto Phil como Bob recibieron crédito como compositores del primer sencillo del álbum. Incluso Pigpen se unió a la fiesta con una composición en solitario. Tras abandonar la mentalidad de «cueste lo que cueste» de su período experimental en Workingman’s Dead, el proceso de grabación duró tres semanas intensas y llenas de emoción. La segunda cita se refiere al ambiente emocional que rodeó la grabación y proviene de Phil Lesh, cuyo padre padecía cáncer terminal y falleció casi al final de las sesiones de grabación.
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El segundo álbum de The Band podría haberse llamado America. Tanto Robbie Robertson como Levon Helm eran partidarios de ese nombre grandilocuente; años después, era una de las pocas cosas en las que seguían estando de acuerdo. También se consideró Harvest, ya que el disco fue concebido como un álbum conceptual sobre el Sur que comienza con la promesa de la primavera y termina con la crucial llegada del otoño, cuando un granjero suplica ser salvado de la ruina financiera en «King Harvest (Has Surely Come)». Al final, The Band dejó Harvest para su amigo Neil Young, quien lo utilizó para su gran éxito comercial casi tres años después. Sin duda, The Band es un disco obsesionado con Estados Unidos, creado por un quinteto mayoritariamente canadiense que exploró las raíces del país.
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Con su noveno álbum de estudio, Steve Miller alcanzó el éxito comercial con Fly Like An Eagle, un disco que vendió cuatro discos de platino en 1976. La música del álbum transita por diferentes estilos, desde el folk psicodélico hasta el blues ácido, el soul, el bluegrass y otros géneros de raíces, mientras que las melodías y los estribillos mantienen una sensibilidad pop que resulta en una escucha muy accesible, pegadiza y fácil de disfrutar de principio a fin. ( Classic Rock Review ).
“La clave está en la concentración, incluso en un álbum tan estilizado y deliberadamente psicodélico como este, ya que esa concentración da como resultado su mejor conjunto de canciones (tanto originales como versiones), además de una producción atmosférica detallada donde todo encaja. Todavía puede sonar algo anticuado —esos teclados vibrantes y ecos cavernosos son sin duda propios de su época—, pero su esencia no ha envejecido” (AllMusic).
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Immortal es el álbum debut de la poderosa vocalista de blues rock Beth Hart. En este disco, Beth cuenta con el respaldo de músicos excepcionales, como David Foster y Luis Conte. En este álbum podrás disfrutar de la fuerza arrolladora de su voz. Es blues rock en su máxima expresión, desde el primer tema, «Run», hasta el último, «Blame the Moon». Su voz en este álbum es la herramienta perfecta para plasmar la complejidad y la resonancia emocional de las canciones.
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Ser albino, delgado y ligeramente bizco nunca fue un obstáculo para el tejano John Dawson Winter (también conocido como Johnny Winter) para convertirse en una de las leyendas del blues más prolíficas e influyentes de todos los tiempos. Su carrera abarcó desde la década de 1960 hasta la de 2010, incluyendo logros icónicos como tocar en el Festival de Woodstock en 1969, grabar e improvisar con Jimi Hendrix y producir tres álbumes premiados con el Grammy para otra leyenda del blues: Muddy Waters. Sus presentaciones en vivo se caracterizaban por la alta energía y el potente sonido que solía obtener con su Gibson Firebird conectada directamente a un amplificador Music Man. Además de sus propias canciones exitosas, Winter también es conocido por interpretar y grabar varias versiones de clásicos del blues y el rock.
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El trío británico de blues-rock Cream fue, quizás, el primero en ser considerado un «supergrupo». Su álbum debut de 1966, Fresh Cream, producido por Robert Stigwood, presentaba una auténtica fusión de géneros, fruto de la vasta experiencia de tres jóvenes músicos. Estos géneros abarcaban desde una mezcla de blues y hard rock con toques de rock psicodélico, y a menudo se combinaban con letras inspiradas en diversos temas y figuras contemporáneas e históricas. Si bien la trayectoria del grupo no fue larga, la música que produjeron a finales de los años sesenta tuvo una influencia que perduraría durante décadas. En julio de 1966, Baker, Bruce y Clapton fundaron Cream y comenzaron a ofrecer conciertos que servirían de base para Fresh Cream, álbum que lanzarían ese mismo año. Si bien el blues tiene una fuerte influencia del género, el disco refleja las experiencias colectivas de sus integrantes, con un toque de la recién creada psicodelia. De esta forma, el álbum abrió las puertas a todo tipo de música rock experimental y de vanguardia.
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El penúltimo álbum de estudio de The Doors, Morrison Hotel, de 1970, llegó en un momento de incertidumbre para el grupo. Su LP anterior, The Soft Parade, había sido un éxito comercial, pero había recibido críticas tibias debido a un material relativamente flojo y a la abundancia de arreglos de cuerda y viento. A la sensación de que la banda podría estar llegando a su fin se sumaron los problemas legales del cantante Jim Morrison: su arresto poco antes del lanzamiento de The Soft Parade, por supuestamente exhibirse en un concierto en Miami, había provocado la cancelación de los siguientes conciertos; y había sido arrestado nuevamente durante la grabación de Morrison Hotel, esta vez por embriaguez en un avión. Aunque su vida estaba en declive —y fallecería en julio de 1971, a los 27 años—, él y la banda aún tenían mucha energía a finales de 1969 y enero de 1970, cuando grabaron el álbum de blues Morrison Hotel , producido por Paul Rothchild. En este disco, volvieron a sus raíces.
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Hot Rats ocupa un lugar singularmente destacado en la discografía de Frank Zappa. En la época de su lanzamiento original (el 10 de octubre de 1969 en Estados Unidos y en febrero de 1970 en el Reino Unido), era bastante común oír a gente decir que no entendían el humor provocador y sombríamente pertinente, ni el collage vanguardista de álbumes emblemáticos como Absolutely Free, Lumpy Gravy y We’re Only In It For The Money, pero que luego se veían seducidos por las melodías exuberantes y sinuosas de temas clave de Hot Rats como «Peaches En Regalia» y «Son Of Mr Green Genes». Hot Rats tuvo tanto éxito que incluso entró en el Top 10 británico; hasta la fecha, el único álbum de Zappa en lograrlo. La frustrante constatación de que los observadores parciales se centraban en su imagen supuestamente «controvertida», pasando por alto su talento compositivo y su brillantez musical, fue un tema espinoso que Zappa abordó en varios momentos de su carrera. De forma más evidente, lo hizo con el proyecto Shut Up ‘N Play Yer Guitar de 1981. Pero el álbum Hot Rats , predominantemente instrumental, marcó la primera vez que este principio se puso en entredicho definitivamente.
